Comme dans ma présentation, je suis enseignante de Musique et musicologie de formation. je vais partager ici avec vous mes travaux de recherche lors de la soutenance de mon master. Ceci est donc un extrait de mon mémoire. Je publierai en différentes parties.
Voici l'introduction.
« La musique est l’expression de la vie. C’est un support de la condition de l’homme.
Elle est expression collective. Elle est donc expression d’une communauté donnée pour traduire un certain nombre de paramètres de la vie d’un individu entretenant des rapports privilégiés tant avec sa cosmogonie qu’avec ses semblables et voir avec lui-même pour extérioriser ses émotions, ses sentiments intimes et aussi dans l’accomplissement d’une tâche précise.
En bref, la musique c’est la vie. Elle sort de l’intellect pour faire intervenir le corps »[1]
Le thème de notre mémoire de fin d’étude à l’Ecole Normale supérieure (ENS) porte sur l’enseignement apprentissage de la voix comme support didactique de la pratique instrumentale au lycée.
Le mot enseignement, selon le dictionnaire Universel[2] est défini, comme une action, une manière d'enseigner. Et ce terme d'après A.France[3], est ''l'art d'éveiller la curiosité des jeunes âmes pour la satisfaire ensuite''. Quant au mot apprentissage, il désigne l'acquisition d'une formation professionnelle. Il peut encore se définir comme une modification du comportement après un enseignement.
Dans le cadre de ce travail, le concept enseignement/apprentissage peut se définir comme la transmission des connaissances par une aide à la compréhension et à l'assimilation. Elle se confond à l'éducation qui est une conduite sociale ayant pour but de transformer le sujet d'un point de vue cognitif et pratique. Alors, le concept enseignement/apprentissage aidera à mieux cerner ce qu'on entend par conception d'une leçon de musique dont le but est de réaliser à la fin de ce travail une leçon selon l'approche behavioriste.
L'enseignement/apprentissage est la manière qu'emploi un enseignant pour transmettre des connaissances aux apprenants et pour se faire comprendre par ceux-ci. Ces connaissances avant de les dispenser, elles doivent être au préalable durement structurées et organisées en suivant une démarche scientifique. Pour ce faire, il nécessite d'avoir une connaissance en pédagogie et en didactique. Ces notions constituent la base des moyens et techniques mise en œuvre dans la conception d'une leçon donnée. La suite présente les concepts pédagogie et didactique.
Si l'on exclut les principes familiaux érigeant l'obligation d'une pratique culturelle (comme l'apprentissage du piano, qui fut quasiment obligatoire pendant de longues années pour les jeunes filles de "bonnes familles"), l'apprentissage de la musique et des autres disciplines artistiques s'est considérablement démocratisé depuis les années 1960. Les enfants d'aujourd'hui abordent la musique de moins en moins par obligation familiale. C'est la curiosité qui l'emporte le plus souvent. Parfois, la pratique d'un instrument par un copain ou une copine d'école suffit à provoquer le désir. Mais sans une étude approfondie, il est souvent difficile de décoder les véritables motivations de l'enfant (comme ses aptitudes musicales). Sa spontanéité est souvent gâchée quand sa rencontre avec la musique n'est pas naturelle.
Pour de nombreux parents, les premières années d'apprentissage de la musique restent du domaine scolaire. L'enseignement de la musique ne quitte les bancs de l'école pour devenir artistique que quand l'enfant manifeste un besoin croissant et continu de s'y adonner. En cela, les concerts de fin d'année et le travail en classes d'ensemble sont essentiels pour donner une certaine valeur artistique à la musique.
Si l'étude de la musique est importante pour le développement et la construction psychologique de l'enfant, à cause d'une mauvaise information, celle-ci n'est pas considérée comme essentielle aux yeux de nombreux parents. Les maths, le français ou l'étude des langues sont porteurs de réussite sociale dans l'accomplissement de la vie d'adulte, pas la musique ! Pour l'enseignant, la tâche se révèle toujours difficile et l'oblige bien souvent à s'écarter du cadre même de sa profession.
Dans l'enseignement classique, l'évaluation et la progression des qualités musicales et techniques d'un élève se passe en fonction des œuvres qu'il travaille. Cette règle, courante dans les écoles et les conservatoires de musique, facilite la prise en main des élèves et favorise l'enseignement de masse. Malheureusement, face au nombre important de "candidats", cette approche pédagogique ne produit qu'un nombre restreint de bons pianistes. Un enseignement préprogrammé ne tient pas compte des aléas propres à chaque individu. Tout ceci n'est pas nouveau et n'est pas prêt de changer ! Proposer un développement musical "universel" dans la tête des enfants, comme le serait l'application d'une règle mathématique, éloigne souvent ceux-ci des vraies valeurs imprimées par la musique : la découverte, l'intuition, la spontanéité, l'imagination.
Si un enseignement progressif peut convenir à un élève très moyen, incapable de surmonter autrement les pièges techniques, en face d'un élève doué, cette pratique routinière conduira sûrement à un échec. Dans de telles circonstances, nul doute que l'enseignement doit être revu et adapté à la situation. Le professeur doit accepter de modifier son approche pédagogique, sur le fond comme sur la forme. D'ailleurs, que peut-on dire à un élève, quand il exécute parfaitement une œuvre demandée sans autre guide que son intuition ?… Qu'il attende la prochaine étape, en subissant le rythme imposé par des élèves moins brillant ?
Un enseignement élitiste pour élève doué peut avoir quelque chose de révoltant pour ceux qui sont dans la difficulté. Il ne faut donc pas, sous prétexte d'avoir décelé la perle rare, négliger les autres élèves qui peuvent sous un autre jour se révéler à eux-mêmes et surprendre leur entourage. C'est pour cette raison, que la tâche de l'enseignant, dans sa responsabilité comme dans sa bienveillance, est essentielle.
Il est difficile d'élaborer un système d'enseignement infaillible si celui-ci est statique. L'intelligence "universelle" propre à un élève doué ne pourra s'en accommoder, alors que l'élève "moyen" ne pourra que le subir. Alors, comment aborder l'enseignement de la musique sans que celui-ci ne crée une sorte d'enfermement pour l'élève, doué ou pas ?
L’enseignement de la musique est à ce jour dispensé dans deux contextes différents : l’enseignement général et l’enseignement spécialisé. Dans l’enseignement général, le cours de musique est nommé cours d’éducation musicale, dans l’enseignement spécialisé, il s’agit d’un cours de musique qui peut revêtir des réalités différentes ; cela peut être un cours de formation musicale, un cours de pratique instrumentale et/ou vocale, mais aussi un cours de chant chorale, un cours d’orchestre, de musique de chambre ou encore des disciplines plus érudites allant de l’histoire de la musique en passant par la composition. Dans l’enseignement général, le professeur d’éducation musicale enseigne principalement deux activités, le chant choral et l’écoute d’œuvre qu’il met en relation par la réalisation d’un projet musical développé au sein de la classe. L’éducation à la musique est fondée sur des enseignements différents généraux ou spécialisés, répartis entre des disciplines érudites, instrumentales et/ou vocales et s’appuyant sur des pratiques individuelles et collectives. Chaque type d’enseignement ayant lui-même une diversité d’approche selon sa spécialité.
L’éducation artistique et culturelle est indispensable à la démocratisation culturelle et à l’égalité des chances. Le parcours d’éducation artistique et culturel accompli par chaque élève se construit de l’école primaire au lycée, dans la complémentarité des temps scolaires scolaire et périscolaire d’une part, des enseignements et des actions éducatives d’autre part. Il conjugue l’ensemble des connaissances et les compétences que l’élève a acquise, des pratiques qu’il a expérimentées des rencontres qu’il a faites dans les domaines des arts et de la culture.
L’éducation artistique fait partie du système éducatif et souffre d’une précarité, car il n’est pas pourvu en main d’œuvre qualifiée. Le secteur d’éducation est plus touché, or, la musique participe à l’équilibre et l’éveil des apprenants. Les enseignants d’éducation musicale sont une poignée d’où le faible nombre d’établissement abritant ce département. De plus les cours pèsent plus sur la théorie que sur la pratique. L’instrument utilisé est la flûte, malgré son accessibilité certains ne peuvent s’en offrir à cause de leur situation sociale. Cependant nous disposons d’un instrument à la portée de tous, qui semble banal mais qui peut servir de support didactique de ma manière très efficace.
Comme nous le dit Aristote, la nature est elle-même un art ; tout ce qu’elle contient constitue un objet d’art naturel. Toute cette harmonisation est organisée par le suprême artiste DIEU comme il a donné les instructions sur la construction du tabernacle en disant : « tu feras le pectoral du jugement, artistement travaillé »[4]. Il est donc le premier professeur d’art. Celui-ci a créé la nature colorée et en qualité de véritable sculpteur a façonné l’Homme à son image[5] ce qui fait de nous des « artistes en puissance ». Depuis la création, l’Homme ne se sépare pas de la musique, elle accompagne fêtes, loisirs et même travaux domestiques etc. Avec le temps, on créera des instruments de musique pour agrémenter les moments les plus particuliers et varier les sons. Aussi simple et logique que ça puisse paraître, l’Homme possède un instrument naturel : la voix. Elle se modèle, elle se travaille.
Ce mémoire a pour objectif de mesurer les écarts existants entre les théories de l’apprentissage et les pratiques observables dans le champ de l’enseignement spécialisé de la musique. Il a aussi pour objectif de trouver des stratégies pédagogiques et didactiques qui par le chant aideront les apprenants à mieux pratiquer la musique en s’appropriant les notions de hauteurs et être compétents dans des situations problèmes de la vie courante.
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